Китайские друзья продолжают удивлять и радовать
The Chemical Brothers — «Dig Your Own Hole»
7 апреля 1997 года, Freestyle Dust / Virgin Records (Великобритания), Astralwerks (США)

К 1996 году The Chemical Brothers уже не были дуэтом, который играет в подвале. Их дебют «Exit Planet Dust» (1995) превратил Тома Роулендса и Эда Саймонса из клубных диджеев в лидеров «биг-бита» — жанра, который в тот момент определял звук британских танцполов. Но успех имел цену: лейбл хотел хит-синглы, пресса ждала от них повторения формулы, а сами музыканты понимали, что «второй альбом» — это либо шаг вперёд, либо приговор. Спасением стал отказ от чистоты жанра. Вместо того чтобы записывать «ещё один „Exit Planet Dust“», они пошли на риск: впустить в электронику живые голоса, гитары и рок-н-ролльную агрессию.

Запись проходила в 1996–1997 годах в Orinoco Studios на юге Лондона. Дуэт снова выступил продюсером, а инженером стал Стив Даб. Именно в этих стенах родились два полюса альбома: «Block Rockin’ Beats», где хип-хоп встречается с хардкор-техно, и «The Private Psychedelic Reel» — девятиминутный финальный эпос, который критики позже назовут одним из самых смелых треков в карьере дуэта.

Центральной фигурой первого полюса стал Ноэль Галлахер из Oasis. Его голос звучит в «Setting Sun» — песне, выпущенной синглом ещё в сентябре 1996 года. Идея пригласить Галлахера была не столько расчётом на брит-поп-аудиторию, сколько попыткой столкнуть два мира. И это сработало: «Setting Sun» стала для дуэта вторым номером один в британском чарте. The Guardian в рецензии 2012 года назвал эту песню «звуком двух параллельных трендов середины девяностых — брит-попа и брейкбита, столкнувшихся, как грузовики Tonka».

Второй полюс — «The Private Psychedelic Reel» — вырос из телефонного звонка. Джонатан Донахью из Mercury Rev рассказал в интервью ABC: «Внезапно мне позвонили Том и Эд из The Chemical Brothers и сказали: „Не хочешь сыграть в песне?“. Это был „Private Psychedelic Reel“». Донахью записал партию кларнета, но, как выяснилось позже, фактически её исполнил другой музыкант — Марк Маринофф, бывший духовик Mercury Rev. Донахью всё равно указан в титрах как автор. Эта путаница не умаляет главного: именно «The Private Psychedelic Reel» доказал, что психоделия может звучать не как музейный экспонат, а как живая, дышащая материя.

Реакция критиков была почти единодушно восторженной. Дэвид Фрике в Rolling Stone написал, что альбом «сжигает весь спор „рок против техно“ в мелкий белый пепел», и что он «качается, крутится и нарастает без фракционной предвзятости и страха перед жанром». Entertainment Weekly поставил A и отметил, что дуэт «умудряется превратить звуки и переработанные голоса в нечто, что работает как поп-музыка, не теряя танцевальной сути». Pitchfork дал 8.4 из 10. NME — 8 из 10. AllMusic в ретроспективной рецензии назвал «Dig Your Own Hole» «блестяще новаторским и неумолимо движущим вперёд альбомом, который звучит положительно ново, но при этом совершенно приглашающе».

Были и те, кто видел в этом предательство. Mixmag в 1997 году язвительно окрестил музыку дуэта «паб-техно», намекая на ersatz-танцевальную музыку, испорченную лагерной культурой. Критик Джон Малви в 909originals сформулировал иначе: «Мир „Dig Your Own Hole“ — избитый, пьяный, капризный, упрямый, феноменально самоуверенный. Это разнос всех духовных, умиротворяющих потенций танцевальной музыки».

Коммерческий результат превзошёл всё, что дуэт делал раньше. Альбом возглавил британский чарт — впервые в их карьере. «Block Rockin’ Beats» принесла дуэту премию «Грэмми» в номинации «Лучшее инструментальное рок-исполнение». Альбом получил мультиплатиновый статус в Великобритании и золотой в США. В 1998 году читатели Q Magazine поставили его на 49-е место в списке величайших альбомов всех времён, а в 2000-м — на 42-е место в списке «100 величайших британских альбомов». В 2014 году NME поместил его на 414-е место в списке «500 величайших альбомов всех времён».

«Dig Your Own Hole» остался документом того, как дуэт, стоявший у истоков одного жанра, отказался быть его заложником. Вместо повторения «биг-бита» Роулендс и Саймонс впустили в свою музыку рок-гитары, живые голоса и почти осязаемую агрессию — и обнаружили, что именно этот сплав делает их звук неуязвимым. Для целого поколения слушателей, выросших на стыке рейва и брит-попа, этот альбом стал точкой, где два мира наконец встретились.

закрыл тему с Queen, ну как закрыл... вроде все нужные альбомы были..но вот Новости Мира, был Американец, по звуку и состоянию претензий не было, но вот смотреть на желто- зеленое яблоко было противненько я прекрасно знаю оформление оригинального альбома . Купил первого немца, оказалось, что цвет пятака не самое страшное, что было в американском варианте. самое страшное- звук... это МРЗ как пишет пользователь на Дискогс:
Потому что этот альбом звучит плоско. Площе, чем задница какой-нибудь мамаши из пригорода в 1984-м.
К слову, это второй американский альбом Queen который я поменял.

У меня тоже немец,звук шикарный.

Я день на скачках сравнивал немца и англичанина , разница лишь в затуханиях

Кстати, полезное свойство ИИ - фоткаю конверт, яблоко и царапульки на сгоне и скармливаю нейронке. Очень прикольно, не надо самому по сайтам типа discogs лазить, всю инфу выцарапывает, а так же можно запросить мнение меломанского сообщества о качестве релиза

Дмитрий,ссылочку можно?

dimonchik,

Вот пример его работы - скормил ему штатовскую допечатку 1996 года:

Дмитрий,спасибо,попробую.

Пришли два замечательныхальбома от наших китайских друзей:
Tame Impala — Currents (17 июля 2015, Modular Recordings)

Кевин Паркер начал работу над этим альбомом в момент, когда его жизнь разваливалась. Он расстался с давней девушкой, переехал из родного Перта в Лос-Анджелес и обнаружил, что слава, которую принёс ему «Innerspeaker», не решает внутренних проблем. Вместо того чтобы снова запереться в хижине на пляже и сделать ещё один психоделический рок-альбом, он пошёл в противоположную сторону. Паркер убрал гитарные стены, которые были его визитной карточкой, и построил звук на синтезаторах, драм-машинах и грувах, вдохновлённых диско, фанком и R&B. Это был не эволюционный шаг, а сознательный разрыв. Он сам говорил, что хотел сделать запись, под которую люди будут танцевать, а не стоять с закрытыми глазами.

Запись проходила в основном в домашней студии Паркера в Лос-Анджелесе, а также в Австралии. Он играл на большинстве инструментов сам, используя старые синтезаторы Juno-106 и Prophet-5, а также винтажные драм-машины. Процесс был мучительным: Паркер переписывал и пересводил треки десятки раз, добиваясь почти маниакальной чистоты звука. Он признавался, что «Currents» дался ему тяжелее, чем два предыдущих альбома вместе взятых. Название отсылает и к океанским течениям, и к электрическим токам, и к идее потока времени, который невозможно остановить.

Альбом вышел 17 июля 2015 года и мгновенно стал коммерческим прорывом. Он дебютировал на первом месте в Австралии, вошёл в топ-5 Billboard 200 и стал первым альбомом Tame Impala, получившим платиновый статус в США. Сингл «The Less I Know the Better» позже превратился в виральный хит, набрав миллиарды прослушиваний.

Критики приняли пластинку с почти единодушным восторгом. Metacritic зафиксировал 88 баллов из 100 на основе 37 рецензий. Pitchfork поставил 9.3 из 10 и удостоил награды Best New Music. Рецензент Иан Коэн написал: «Currents — это альбом о росте и переменах, и способность Паркера запечатлеть этот процесс делает его таким захватывающим». Он также отметил, что Паркер «превращает расставание в нечто прекрасное, не скатываясь в жалость к себе». Rolling Stone дал 4.5 из 5 и назвал альбом «ослепительным путешествием», а Паркера — «одним из самых талантливых продюсеров своего поколения». AllMusic также поставил 4.5 и написал, что это «смелый, блестящий уход» от прежнего звука, который «работает настолько хорошо, что заставляет задуматься, почему он не сделал этого раньше».

The Guardian был чуть сдержаннее, но всё равно положителен: «Это альбом о разбитом сердце, который звучит как вечеринка, и в этом его главная сила». NME назвал его «триумфом», а Exclaim! — «лучшим альбомом Паркера на сегодняшний день». Consequence of Sound присвоил оценку A- и подчеркнул, что «Currents» — это «редкий случай, когда артист меняет звук настолько радикально и не теряет себя».

Сам Паркер в интервью говорил, что не считает эту запись «поп-альбомом» в традиционном смысле. Он объяснял: «Я просто хотел, чтобы музыка двигалась. Я хотел, чтобы она была живой». И именно это ощущение движения — от первой ноты до последней — делает «Currents» не просто сменой стиля, а документом личной трансформации. Это альбом, где человек, потерявший любовь, находит новый язык, чтобы говорить о боли, и этот язык оказывается танцевальным.

Не любитель всяческих Бонусов, демо и пр. Чаще всего за этим стоит мусор. Без настоятельной рекомендации друга, даже не посмотрел бы в его сторону.


PJ Harvey — To Bring You My Love — Demos (11 сентября 2020, Island Records)

В 1995 году Полли Джин Харви выпустила альбом, который перевернул её карьеру. После двух пластинок с группой, где она была одной из четверых, она уволила ритм-секцию и записала «To Bring You My Love» практически в одиночку, погрузившись в дельта-блюз, религиозные образы и мрачный нуар. Это был не просто stylistic shift, а полная смена идентичности: из агрессивной рокерши она превратилась в femme fatale, которая поёт о детоубийстве и одержимости. Четверть века спустя, в рамках масштабного переиздания всего каталога, Харви сделала то, чего никогда не делала раньше — выпустила демо-версии всех десяти песен с того альбома отдельным релизом.

До этого демо Харви выходили только для первых двух альбомов: бонус-диск к «Dry» и самостоятельный «4-Track Demos» для «Rid of Me». Для «To Bring You My Love» ничего подобного не существовало — записи, сделанные в 1994 году, пролежали в архивах двадцать шесть лет. Они были созданы ещё до того, как Харви собрала финальный состав для студийных сессий, и представляют собой сырой, почти акустический каркас будущего альбома.

Главное, что сразу бросается в ears — это отсутствие струнных и фортепиано, которые украшали финальные версии. Голос Харви и гитара оказываются на переднем плане, и именно в этой наготе тексты обретают особую силу. The Guardian отметил, что структуры песен «не отличаются радикально» от альбомных, но без оркестровых слоёв возникает «более интимное ощущение». Не всё выигрывает от такого подхода: рецензент признал, что «C'mon Billy» звучит «немного неубедительно» в демо-версии, хотя «Long Snake Moan» не теряет своей мощи, оставаясь по сути лишь голосом и гитарой. Но главное достоинство этих записей — они выдвигают на первый план «экстраординарную лирику» Харви, будь то леденящая история детоубийства в «Down By the Water» или одержимая тоска в «Send His Love to Me».

Under the Radar поставил релизу 9 из 10, назвав его «настоящей приманкой» для давних фанатов. Рецензент подчеркнул, что «сырость — это удовольствие», позволяющее услышать, как альбом мог бы звучать, если бы Харви продолжила в грубом, гитарном стиле своих первых работ. Он отметил «примитивную драм-машину» в одной из песен и «сырой, страстный вокал» в другой, рядом с которым слышны хлопки между ударами гитары. При этом издание честно предупредило: «непосвящённым стоит начать с финального альбома».

Итальянский Rockol был куда скептичнее. Рецензент Джани Сибилла поставил 6 из 10 и написал, что демо «дают размытое изображение поворота» в творчестве Харви: звук «менее отполирован», песни «звучат более обыкновенно». Для него эти записи — скорее архивный документ, чем самостоятельное художественное высказывание. Metacritic зафиксировал смешанные отзывы: одни пользователи называли демо «столь же захватывающими, если не более, чем финальный продукт», другие отмечали, что «поскольку так много силы альбома resides в его потрясающем продакшне, этот сет может быть немного менее откровенным, чем другие демо-альбомы Харви».

Самый важный контекст: эти демо — не альтернативные версии, а черновики. Харви не пыталась переизобрести свои песни, она просто показала, откуда они пришли. И в этом смысле релиз ценен не новыми открытиями, а подтверждением того, что величие «To Bring You My Love» было заложено уже в самых ранних, почти домашних записях. Это не второй альбом, а ключ к первому.

Paradis – «Recto Verso» (2016/2026)

Это было недешево, но я не мог такое пропустить. Первый и последний альбом французского электронного дуэта, в лице Симона Мени и Пьера Руссо, который, как по мне, заткнет за пояс всю французскую клубную братию (Daft Punk, Cassius и Air вместе взятых).
За знакомство с релизом душевно благодарю Алексея (oolala007), это он дал наводочку в свое время...
Переиздание этого года на двойном прозрачном виниле. Звучит изумительно, а значит средства были потрачены не напрасно. Украшение коллекции…

Вот решил в коллекцию прикупить. Да и послушать есть что.

Liz Story – «Solid Color» (1982)
Чистейшая, сольная фортепианная работа, без привлечения иного инструментария. Красиво...





Liz Story – «Part Of Fortune» (1986)
Чуть более разнообразный альбом, с оркестровками и грегорианскими песнопениями в конце.

Ira Stein / Russel Walder - "Elements" (1982)

Еще один интересный дуэт (фортепиано и гобой) в стиле инструментального нью-эйджа...

Суперский альбом 2020 года на виниле.

https://www.discogs.com/ru/master/17456 ... den-Of-Eve

СБПЧ (Самое Большое Простое Число) — «Всё равно» (27 августа 2020, самостоятельный релиз)

К 2020 году петербургская группа Кирилла Иванова подошла в статусе, который сам фронтмен, кажется, до сих пор воспринимает с иронией: «самая веселая и умная группа русской инди-сцены». За плечами было больше десяти лет, несколько смен состава и репутация коллектива, который каждый раз перепридумывает себя. «Всё равно» стал десятым студийным альбомом — юбилейной отметкой, которую группа отметила не ретроспективой, а побегом.

Запись проходила в феврале 2020 года в Кейптауне, ЮАР. Это было не просто сменой локации, а давней идеей Иванова, который много лет собирал африканскую музыку и мечтал перенести её грув в собственное звучание. В записи участвовали местные музыканты: рэпер Sandy B, чей голос звучит в нескольких треках, и хор, собранный из жителей Кейптауна. Альбом вышел 27 августа 2020 года и содержал двенадцать треков. Иванов описывал его как «апокалиптический рейв о конце жизни и начале смерти», подчеркивая, что материал был создан до пандемии и не является реакцией на неё.

Звучание пластинки стало её главным козырем. Если тексты, по мнению критиков, временами буксовали, то музыкальная составляющая получила почти единодушное признание. Сергей Мезенов из Colta.ru сформулировал это точнее всех: «если содержательно „СБПЧ“ на этом альбоме в некотором кризисе, то музыкально они, наоборот, в отличной форме». Он описал звук как «энергичный и яркий глобалистский поп, имеющий в виду и диско, и фанк, и хип-хоп, но заходящий на все это через какие-то свои, индивидуально выстроенные ритмы». По его словам, «чем больше в их музыку проникает африканского, тем кайфовее становится», а финальный трек «Звезда» с его «совершенно феерической ритм-секцией» стал доказательством того, что эксперимент удался.

Критики, впрочем, не были единодушны в оценке текстов. Тот же Мезенов отметил внутренний конфликт альбома: с одной стороны, группа «прекрасно знает, чего сегодня от них ждут», и дает это — «вечеринку дурацких слов, пляски про любовь, обезоруживающе-оптимистичные тексты». С другой — сквозь эту веселость «регулярно прорываются совсем иные нотки»: в лучезарном диско-хите «Надоел» первый куплет начинается со строчки «Мне велели веселиться, так что я, пожалуй, буду», а заканчивается словами «Я сам себе надоел». Мезенов сделал вывод, что «текущий текстовый режим афористичного мемоемкого оптимизма благополучно пришел в тупик, а новую интонацию нащупать пока не удалось».

Другие издания были более восторженными. Telegram-канал «Признаки жизни» назвал «Всё равно» «одним из лучших (возможно, лучшим) альбомов на русском языке в этом году», описав его как «сладко-горькую пилюлю, которую просто необходимо проглотить, чтобы дальше жить в России-2020». Портал sub-cult.ru охарактеризовал заглавный трек как «удар под дых» и «трезвый взгляд на себя и на мир», а весь альбом — как «апокалиптический рейв». RIMA Media отметила парадокс группы: «самая жизнерадостная российская группа записала альбом о стоическом принятии смерти. Но как всегда сделала это так, что все равно тянет потанцевать».

Сам Иванов в интервью «Афише Daily» разобрал каждую песню, и его комментарии добавляют альбому измерение, которое не слышно при первом прослушивании. Первый трек начинается с цитаты Роберта Бертона «Заберись повыше и смотри, ты увидишь, что этот мир безумен», которую Иванов нашел в мемуарах Мариенгофа. Песня «Живые и мертвые» начинается с семпла посадки самолета в Кейптауне, записанного басистом группы, а её припев обращен к мертвецам: «Эй, вы не представляете, что вы пропускаете». Иванов говорит, что если «развернуть наоборот эту песню, то она про радость жизни. Достаточно только шире открыть глаза».

«Всё равно» не стал альбомом-откровением, которое перевернуло бы представление о группе. Это скорее документ момента: группа, которая всегда умела прятать серьезные мысли за иронией и танцевальными ритмами, на этот раз спрятала их за африканским грувом. Получилось ли у нее? Музыкально — почти безупречно. Текстуально — с оговорками, которые сама группа, кажется, и не пыталась скрыть. Но в этом и есть честность: альбом о конце жизни и начале смерти, под который все равно хочется танцевать, не может быть идеально ровным. Он должен быть немного сбитым, как и сам 2020 год, для которого он стал саундтреком.